.2.7
音乐和绘画
绘画是一种在平面上以手工方式临摹自然或非自然，以其达到二维（平面或三维）效果的艺术，在中世纪的欧洲，常把绘画称作“猴子的艺术”，因为如同猴子喜欢模仿人类活动一样，绘画也是模仿场景。
《汉书·赵充国传》：“乃召黄门郎扬雄即充国图画而颂之。”五代齐己《题画鹭鸶兼简孙郎中》诗：“曾向沧江看不真，却因图画见精神。”鲁迅《集外集·编校后记二》：“因为图画是人类共通的语言，很难由第三者从中作梗的。”
一、绘画艺术的语言
1.绘画艺术在二度平面上创造物象与空间，展示现实生活与想象世界的多样景观，传达人的思想感情。绘画是“视觉空间的艺术”。绘画种类繁多，范围广泛。从体系上划分：东方绘画、西方绘画;
从使用材料、工具和技法划分：中国画、油画、素描、版画、水彩画、水粉画、粉笔画等。
从题材内容划分：肖像画、风景画、风俗画、静物画、历史画、宗教画、动物画等。
从作品形式的不同划分：壁画、年画、连环画、宣传画、漫画等。
2.绘画艺术语言：(1)线条;(2)形体;(3)色彩;(4)色调;(5)动感;(6)笔墨(笔触)。
二、油画与国画
1、概念
油画：是以油为调和剂调和颜料，在经过制作的不吸油的平面上描绘而成的绘画。国画：是中国传统绘画的总称。从广义上讲，中国画包括中国传统绘画的各种类别，但通常指的是以水为调和剂，以墨为主要颜料的一类，又可称“水墨画”或“彩墨画”。主要工具：笔、墨、纸、砚、绢素宣纸：生宣、熟宣线条变化：粗细、顿挫、方圆、疾徐、转折墨色变化：皴擦点染、干湿浓淡(烘、染、泼、积)“墨分五彩”：焦、浓、重、淡、清(加宣纸白色，可称为“六彩”)
2、油画与国画的简单比较：除了工具、材料、表现主题的一般区别外，概括地讲，中国绘画尚意，西方绘画则尚形;中国绘画重表现、重情感，西方绘画则重再现、重理性;中国绘画以线条作为主要造型手段，西方绘画则主要是由光和色来表现物象;中国绘画不受空间和时间的局限，西方绘画则严格遵守空间和时间的界限。总之，西方绘画注重再现与写实，同中国绘画注重表现与写意，形成鲜明差异。
3、中国绘画的独特艺术魅力
(1)中国画重视空白的运用，有“虚实相生”的效果;
(2)中国画重视艺术与自然的关系，强调“以形写神”，讲究意境、神韵;
(3)中国画与书法有很深的渊源，即“书画同源”、“书画同法”;
(4)中国画与诗有相通之处，因而推崇“画中有诗”;
(5)中国画还经常使用印章，是点缀，也增加韵味和美感。
三、绘画艺术欣赏方法
1.了解作品的时代特征、作品产生的原因、背景，领悟作品的意蕴以及作品的结构、形式的特点，达到与作品在感情上的交流。
2.注意积累文化史和艺术发展史的知识，力求把握绘画的发展脉络，把握代表作品的特征，从而获得一些赏析绘画的标尺。
3.多看和思考画作，并注意在生活中观察物体与景色，从而培养和提高对艺术形式的感觉，逐步具备对绘画艺术语言的感受力。
4.尊重自我感受，尊重自己对画作的直觉，在画作面前驰骋自己的联想和想象，达到心旷神怡的最佳审美境界。
几千年来，音乐与绘画这两个不同的艺术门类，各有自己的发展规律和重要地位。由于这两种艺术所使用的物质材料得差异和表现形式的不同，是人们形成了一种固定的概念---绘画是表现瞬间的、可视的空间艺术，而音乐是表现人们心灵声音的时间艺术。正如音乐和文学、书法等之间的关系一样，音乐和绘画也照样有着相互比较的关系。可以说，音乐是无形的绘画，绘画是有形的音乐。
优秀的绘画作品能给人以美的享受，从画面的色彩、线条构图中感受到音乐的韵律和节奏，使人们进而产生丰富的联想。同样的道理，优秀的音乐作品也可以表现鲜明的艺术形象，通过人的听觉直接渗透到心灵深处，激起人们情感的波澜，引起内心深处的共鸣。从而随着音乐的律动而在人们的眼前浮现出各种各样色彩斑斓的画面，这种画面也许就是画家笔下的流淌在纸上的音乐。这两门艺术虽然形式不同，绘画是空间艺术，作用于人的视觉器官；音乐史时间的音色，作用于人的听觉器官，但它们有很多共同之处，最终都有要回归于人的思维系统，因此而感受不同的情感和思想。也就是说，它们归根结底，都有表现的是艺术家心灵深处微妙而又复杂的情绪变化和对客观事物的瞬间印象。
音乐本身就有画面感，尤其是印象主义时期的优秀音乐作品。从十九世纪末到第一次世界大战之前，在音乐史上称为“近代音乐”时代。在这一时期，以印象主义音乐为代表的几种音乐流派，实现了音乐史上从晚期浪漫主义向二十世纪现代音乐的过渡。印象主义音乐是19世纪末在欧洲文化活动中心巴黎萌生的一种新音乐风格，是受“象征主义文学”和“印象主义绘画”的影响而出现的一种音乐流派。印象主义音乐带有一种完全抽象的、超越现实的色彩，是音乐进入现代主义的开端。它的音乐形式、织体、表现手法、基本美学观点以及所追求的艺术目的和艺术效果都与古典和浪漫主义有着很大的分歧与差别。由法国作曲家C.德彪西首创。印象主义一词借用自美术。年巴黎“落选者沙龙”展出画家C.莫奈一幅题为《日出印象》的绘画，引起嘲笑和议论，此后人们把艺术理想与表现手法大致与之相似的画家，如E.德加、C.毕沙罗、A.西斯莱、P.A.雷诺阿称为“印象派”。他们反对学院派的保守思想，热爱大自然,面向现代生活,采取在户外的阳光下直接描绘景物的方法，在光与色的变化中表现对象的整体感与周围的气氛，对绘画的发展有很大影响。印象主义一词在音乐中首次出现于年，法兰西美术研究院的评委指责德彪西在罗马进修时的第2部“交卷作品”交响组曲《春天》结构不明确，要他“警惕模糊的印象主义”。年其《弦乐四重奏》在布鲁塞尔首演时，评论家开始用“印象主义”加以赞扬；年以后，此词常用以概括德彪西及风格与他接近的音乐，不再带有贬意。
印象主义音乐的产生是从后期浪漫派和民族乐派中演变出来的。在德彪西之前，印象主义音乐的某些因素已显露于F.F.肖邦、F.李斯特、E.格里格、П.穆索尔斯基以及C.-A.弗朗克、R.瓦格纳等人的作品之中。肖邦充分认识到色彩的价值，将其作为音乐中一种独立的重要因素。格里格的复杂、朦胧、富于色彩的和声，亦可谓具有一定的印象主义气质。他们对钢琴音乐的细致要求和踏板的出色运用，对印象主义钢琴音乐有重要影响。李斯特某些作品标题的本身就含有印象主义的性质，如《鬼火》表现光的快速运动；瓦格纳的歌剧里已有许多新颖的音响组合，《莱茵河的黄金》序曲所呈现出波涛起伏、雾气缭绕的意境。此外，东方音乐亦是印象主义音乐的重要养料，例如年巴黎万国博览会中演出的爪哇及东南亚的音乐，对德彪西有很大启示。
德彪西以后，虽然难于将某个作曲家截然归入印象派的行列，但是，印象主义音乐风格及手法的实际影响已遍及整个音乐世界。在法国，拉韦尔同样喜好选择象征派诗人C.波德莱尔、P.魏尔兰、S.马拉梅的诗歌为歌词。他的音乐尽管结构严谨，有些接近于古典主义，但有人仍将他归之于印象主义。P.迪卡斯采用象征派诗人M.梅特林克的戏剧为歌剧脚本，运用全音音阶与德彪西式的和声，与A.鲁塞尔、F.施米特等同时代的法国作曲家一样，在采用印象主义音乐语汇的同时，保持了自己的个性。在英国,受德彪西影响最大的是F.迪利厄斯,他的《夏日的花园》、《河上之夏夜》等乐曲，充分反映了印象派的特点。R.沃恩·威廉斯在其《伦敦交响曲》中，对泰晤士河上朦胧黎明及威斯敏斯特教堂洪亮钟声的描绘，都有印象主义音乐的特征。此外，还可列举G.霍尔斯特的《行星》中的《海王星》、F.布里奇的《萤火虫》、《春天来临》，A.巴克斯的《范德花园》。西班牙作曲家M.de法利亚的不少作品，既有鲜明的印象主义倾向,又有民族特征,《西班牙庭园之夜》就是这一类型的代表作。匈牙利B.巴托克的早期作品《两幅图画》中的《鲜花盛开》，《在户外》中的《夜音乐》，Z.科达伊的《九首小曲》、《夏日的黄昏》等都表现出印象主义的意境。
印象主义音乐作为一种新的艺术风格曾启迪了20世纪初一大批作曲家的创作，但它的题材、内容只是对自然景物的描绘，缺乏深刻的思想性和社会意义，因而仅盛行于20世纪初，不久就被新的音乐风格与音乐流派所代替。
影响印象主义音乐是浪漫主义音乐向现代音乐过渡的桥梁之一，虽然这一乐派主要集中在十九世纪末到二十世纪初的法国，但这种风格对于近现代音乐的发展所起的作用是不可估量的。后来二十世纪音乐中的“表现主义”、“十二音体系”以及“序列音乐”等几种流派都或多或少地受到印象主义音乐的影响。
印象派代表德彪西反对后期浪漫派以自我为中心的英雄崇拜以及音乐过度庞大膨胀，从当代法国的社会背景、心理特质和美学观出发，力图恢复法国音乐明晰、典雅的特征，追求艺术形象的真实与新颖独创。当时，象征派诗人追求辞藻声韵的微妙效果，印象派画家利用色彩抓住自然景物的瞬息变化，给他以很大启迪。90年代以后陆续创作的管弦乐曲《牧神的午后前奏曲》（～）、室内乐《弦乐四重奏》()、歌剧《普莱雅斯和梅丽桑德》(～)、钢琴曲《版画集》（）、歌曲《波德莱尔的五首诗》（）等，都是印象主义音乐风格的成熟之作。这种风格的特征为：崇尚柔和，抑制、排除过分的激情；避免文学性的铺叙，借助标题和丰富的色调变化引起联想；含蓄的暗示多于热情直率的表达，强调朦胧的感觉印象和变化多端的气氛。德彪西认为，音乐比绘画更能有效地把印象主义的理想付诸实践，绘画只能表现光的静止状态，而音乐却能表达光的流动变化。莫奈需要一系列画幅才能绘出同一场面的光的不同效果，而音乐却能创造出不间断的光的流动。
与之相比较，印象主义音乐并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画，而是更多地描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出一种神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。在乐曲的形式上多采用短小的、不规则的形式，以便更好地体现出印象主义音乐较为自由的特点。印象主义音乐盛行的时间不很长，它很快就被更加激进与富于变化的现代音乐所代替，但印象主义音乐却是音乐发展史上的一个非常重要的阶段，从此音乐艺术开始了一个具有根本意义的转变。正因为如此，印象主义音乐才得到了非常的重视，其艺术性与重要性也被越来越多的人们所理解与承认。
印象主义音乐的作品多以自然景物或诗歌绘画为题材，突出瞬间的主观印象或感受；在音乐语言上突破大小调体系，重视和声、织体和配器的色彩；擅长表现幽静朦胧、飘忽空幻的意境。
它深受当时印象主义绘画和象征派诗歌的影响，追求刻画实物周围的色彩与光影在瞬间的迷离变幻。因此，在印象派的音乐中，富有色彩效果的和声远比旋律重要。由于钢琴兼有和声以及音色精致变化的功能，又能在琴槌、琴弦和踏板的巧妙组合之中产生奇妙的泛音效果，最能表达云雾水性音响的灵动之感，因而十分适宜表现印象主义的风格。不仅如此，印象主义音乐在听觉感受、观念意识和心灵体验上都超越传统进行了全方位的更新。
作为印象派音乐的创始人，德彪西的创作特点与浪漫主义有着直接的承传关系。从他的钢琴作品标题来看，德彪西喜欢把创作寄托于梦幻世界，而这正是浪漫主义音乐的一大特点。尽管德彪西描绘大自然的题材比比皆是，但他并没有像浪漫主义音乐那样借景抒情，而是超然物外，精神遨游在水光山色之中，在虚无缥缈的意境中进入一个忘我无我的境界。德彪西是继肖邦之后的又一位挖掘钢琴内在音响的大师，他打破了调性的束缚，开拓了钢琴音色的微观世界。
与德彪西相比，作曲家拉威尔在钢琴音乐创作风格上有着很大的差异，他在逐渐摆脱印象主义美学思想的约束，回到更古老纯粹的法国传统。拉威尔享有管弦乐配器大师的盛名，敏锐的色彩感大大地影响了他的钢琴创作。如果说德彪西主要从钢琴本身去发掘表现潜力和音响层次，拉威尔则更注重从乐队配器的角度来发挥钢琴音响的色彩性。其钢琴作品以组曲《镜子》、《夜之幽灵》和两首钢琴协奏曲最为著名。
印象主义音乐常常使用的艺术表现手法，可归纳为以下几点：
①在曲调发展上避免使用浪漫主义音乐中常见的重复、扩充、展开等表现手段，而以短小的曲调细胞组合成一种新颖的动机语汇。声乐曲调与言语音调密切结合，近似朗诵；器乐曲调也很少有气息宽广的线条。
②在节奏上喜欢使用复节拍与复节奏，节拍不规则地细分减弱了推动力，呈现松散流动的状态。
③重视调式的表现力，根据形象要求采用相应的调式，如各种五声音阶、中古调式及全音音阶。扩大调性概念，常避免出现明确的收束式。全音音阶的运用使调式中的每一个音居同等地位,减弱了调中心感,出现多调性因素。
④由于喜好对不同的色彩与音响作平面的、绘画式的并列，和声成为最重要的表现手段。通过增加和弦结构的可能性与减弱和声进行的功能性，得到极其丰富的和声色彩。
⑤音色丰富、独特而新颖。在声乐作品中，男高音与女高音常使用缺乏光彩和戏剧力量的低音区；广泛运用各种乐器演奏法上的色彩手段，如木管的低音区、铜管大量使用弱音器与阻塞音，铜管在乐队中的作用往往不在于加强力度，而为了取得多变的色彩效果等。
⑥配器与织体安排新颖。如弦乐组常常细分，小提琴的高音伸展到过去很少用的音区，大提琴担任小提琴的角色，中提琴演奏低音，造成模糊不清之感；突出竖琴、钢片琴、三角铁和钟琴清澈的音响，使管弦乐色彩缤纷，把力度与音色联系起来。
⑦结构往往松散模糊，但许多作品仍可看到三部曲式的轮廓。
法国音乐家德彪西和拉威尔是公认的印象主义音乐的集大成者。除此之外，法雅、席曼诺夫斯基、法国的保罗·杜卡、意大利的雷斯皮基和英国的沃恩·威廉斯也是该流派音乐的杰出代表。
阿希尔·克劳德·德彪西像其他法国作曲家的作品一样，德彪西的音乐是标题音乐而不是绝对音乐。
德彪西力图用音乐来达到“印象主义者”用绘画所达到的同样效果。在使用新的和声和音乐方面，德彪西是现代音乐的先驱。他建造的那种古怪的、非尘世的音乐，主要是采用完全没有半音关系的“全音阶”和许多在空气中根本听不见的“泛音”。德彪西还在管弦乐队里使用各种乐器的不同组合来发出柔和的带有闪烁性的音响效果。起初人们听他的音乐觉得不知所云，但当他们听惯了的时候，便发现其中妙趣无穷了。
虽然德彪西力图让自己远离「印象主义」这个词，但是他音乐的核心无疑正正体现了印象主义的理念。他深受同时代印象主义文学和艺术的影响，并吸收了外国和东方的一些音乐元素，创作出了自己独特的作品。德彪西的音乐色彩朦胧，如梦如幻，其歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》，管弦乐《牧神午後》，《春天》，《大海》，《意象集》，还有他的钢琴曲都是印象主义音乐中的扛鼎之作。而他的名字，也紧紧地与印象主义音乐相连，「德彪西主义」（Debussyism）也成为了印象主义音乐的同义词。
莫里斯·拉威尔莫里斯·拉威尔仿效德彪西的最重要的作曲家就是他的同胞拉威尔了，但拉威尔并没有象德彪西那样过多使用全音阶和听起来奇怪的和弦，他更擅长从管弦乐队里抽取音色的深浅明暗度，在这方面无人能及。例如《波莱罗舞曲》，节奏和旋律一遍又一遍地重复，但这首西班牙舞曲借助拉威尔对力度的纯熟使用（从轻到响或从响到轻的变化）和对音色的巧妙结合，听起来使人感觉变幻莫测，趣味无穷。
他的音乐以描述身外之物为主，但不像标题音乐般刻意描写事物，而是远离象徵主义中深染的主观元素，以一种远距离、极度客观的立足点来创造音乐的印象。他虽与德布西并称为印象乐派的大师，但是拉威尔所追求的效果更精确犀利，他避开象徵主义中暧昧的光线与阴影，以大量的装饰效果点缀音乐结构。其中《库普兰之墓》，《为死公主而作的帕凡舞曲》，舞剧《达夫妮与克罗伊》，《G大调钢琴协奏曲》都是极具印象主义特色的作品。
印象主义是19世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派，印象主义画家根据光色原理对绘画色彩进行了大胆的革新，打破了传统绘画的褐色调子，彻底反对官方学院派艺术的统治，后来成为以法国为中心的欧洲美术运动的主流。早期印象派分为两派，以莫奈为代表的注重色彩，以德加为首的注重形体造型。后印象派认为绘画不应拘泥于客观自然主义的描写，强调主观理性和自我情感、个性的表现。
把对自然清新生动的感观放到了首位,认真观察沐浴在光线中的自然景色,寻求并把握色彩的冷暖变化和相互作用,以看似随意实则准确地抓住对象的迅捷手法,把变幻不居的光色效果记录在画布上,留下瞬间的永恒图像。这种取自于直接外光写生的方式和捕捉到的种种生动印象以及其所呈现的种种风格，不能不说是印象派绘画的创举和对绘画的革命。
为一切色彩皆产生，于是他们依据光谱七色来调配颜色。印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面，从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。具体的说，当我们从近处观察印象派绘画作品时，我们看到的是许多不同的色彩凌乱的点，但是当我们从远处观察他们时，这些点就会像七色光一样汇聚起来，给人光的感觉，达到异想不到的效果。
印象主义（IMPRESSIONNISME）。在西方绘画在发展历程中，画家总是将当时的科学成就引进艺术创造之中。由于光学和色彩学研究成果问世，后来又经查理士·亨利把光和色彩直接与美学相结合，运用到艺术法则上，这使追求创新的画家们深受影响和启发，他们尝试着纯粹的“外光”描绘，以及新的色彩关系分析，并把这种自然科学的法则和他们的艺术观点结合起来进行创作。他们认为自然界的一切物体都是光的照射作用，才显现出它的物象；而一切物象又是不同色彩的结合，太阳光是由七种原色组合而成。如果离开了光和色彩便没有这个世界。他们还认为：画家要认识这个世界，主要是从“光”和“色彩”的观点上去认识，“光”和“色彩”既然成为这个世界的中心，也是画家认识世界的中心，所以画家的任务也就在于如何去表现光和色彩的效果。“光”为“色”之母，有光才有色，世界上任何具体的物象和事件只是传达光和色彩的媒介罢了，它本身的意义是次要的！这种艺术观念成为他们的主导思想，从而支配他们的创作活动。
由于他们把“光”和“色彩”看成是画家追求的主要目的，就不可避免地将画家对客观事物的认识停留在感觉阶段，停止在“瞬间”的印象上，这就导致创作中竭力描绘事物的瞬间印象，表现感觉的现象，从而否定事物的本质和内容。在他们看来世界万物在阳光下一律是平等的。雷诺阿曾说过：“自然之中，决无贫贱之分。在阳光底下，破败的茅屋可以看成与宫殿一样，高贵的皇帝和穷困的乞丐是平等的。”这种艺术观念导致他们在创作中全力以赴地描绘“光”。只重艺术的形式，忽视乃至否定艺术的内容。如支持印象主义的左拉所说：“绘画所给予人们的是感觉，而不是思想。”所以我们在印象派的画中所看到的是充满阳光的色块组合，充满空气感。总的说来印象派创作只重感觉，忽视思想本质，以瞬间现象取代之；以习作代替创作；以素材代替题材；以偶然代替必然；以次要代替主要的。既然是凭感觉，那必然是主观的，所以印象派所描绘的是主观化了的客观事物。这标志着与传统艺术观念、艺术表现方法和艺术效果的决裂。所以说印象派是西方绘画史上一个划时代的艺术流派。不可否认印象派画家在阳光探索和色彩分析上有重要发现，在对光与色的表现上丰富了绘画的表现技巧，他们倡导走出画室，面对自然进行写生，以迅速的手法把握瞬间的印象，使画面出现不寻常的新鲜生动的感觉，揭示了大自然的丰富灿烂景象，这是对艺术创造的一大贡献。他们的艺术是属于现实主义范畴的，是追求民主、自由、平等思想在艺术中的反映。他们的艺术创造是具有革新和进步意义的。
